MUSEOS CON PINTURAS FAMOSAS

El arte es uno de los principales ganchos del turismo. Museos de todas las épocas, galerías de arte especializadas o edificios pintorescos conforman la amplia oferta que, especialmente las grandes capitales, ofrecen a los inquietos viajeros, siendo la pintura uno de los recursos más extendidos. Vamos a conocer las pinturas más famosas del mundo, viajando hasta su ubicación en los museos más importantes del mundo.

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La Mona Lisa, de Leonardo Da Vinci

El cuadro más famoso del mundo reside en el Louvre de París, por donde pasan 6 millones de turistas cada año, aunque la procedencia del mismo se remonta a la Florencia renacentista, concretamente desde 1503 a 1519, año de la muerte de Leonardo Da Vinci. También conocido como La Gioconda, este cuadro ha suscitado numerosas teorías acerca de su trasfondo, del tesoro escondido tras esa sonrisa apacible, e incluso de su sexo e identidad. Y si bien sus dimensiones decepcionan en persona, nadie puede negarle su condición de obra icónica indiscutible.

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La Noche Estrellada, de Vincent Van Gogh

Van Gogh obedece al típico dicho de "el reconocimiento de los pintores tras su muerte" y prueba de ello es su único cuadro vendido en vida. Pobre, excéntrico y enfermo, el pintor holandés concibió este post impresionista Starry Night desde la ventana de un sanatorio de Saint Remy en 1889, si bien una versión más realista del mismo fue concebido un año antes en Arles. Aunque el Museo Van Gogh reside en Amsterdam, su mayor obra forma parte del MoMA neoyorquino. Un deleite para los sentidos en el que el cielo fusiona la noche y el día, emanando formas utópicas y una energía electrizante.

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El Grito, de Edvard Munch

La obra más famosa del pintor noruego Edvard Munch fue concebida en 1893, y aunque mantiene numerosas cualidades como la obra de Van Gogh, está fue reconocida en vida del autor. La creación del lienzo coincidió con la hospitalización de la hermana de Munch aunque la sensación de ansiedad que inspira el cuadro obedece a un extraño fenómeno que convierte el cielo noruego de un color rojo que, tal como describía el diario de Munch, le provocaba pánico y ansiedad. La ambientación pertenece a la calle Valhallveien de Oslo, y la obra puede encontrarse en la National Gallery de la capital noruega.

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Las Dos Fridas, de Frida Kahlo

Una de las mejores representaciones de la pintura latinoamericana recae en la mexicana Frida Kahlo, mujer pasional y carismática donde las haya, que concibió en sus obras un sufrimiento en primera persona combinada con el surrealismo y los motivos nativos. Su divorcio del también famoso pintor Diego Rivera concibió este autorretrato que simboliza dos versiones de sí misma: un perfil derecho que inspira tradición y amor (corazón entero) mientras que el izquierdo simboliza el cambio hacia nuevas culturas, mientras el corazón agoniza. Concebido en 1939, la obra se expone en el Museo de Arte Moderno de Ciudad de Mexico.

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Guernica, de Pablo Picasso

Siguiendo con sufrimientos, la obra que aquí nos ocupa atrapa los suspiros de la Guerra Civil Española, concretamente del pueblo vasco de Guernica, plasmados por el malagueño Pablo Picasso en 1937. La obra es un puzzle de infinitas interpretaciones en la que tienen cabida iconos españoles como el toro o la agonía reflejada en esa mujer que implora al cielo o a los guerreros caídos. Tras permanecer en el MOMA neoyorquino durante la dictadura franquista, el cuadro pasó a formar parte del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en las inmediaciones de Atocha, Madrid, desde 1992.

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La Persistencia de la Memoria, de Salvador Dalí

Una simbología precisa convierten la antología del catalán Salvador Dalí en una de las más oníricas y famosas del mundo. Sin embargo, escogemos esta Persistencia de la Memoria como la más icónica del autor y posiblemente la pintura surrealista más famosa del mundo. El fondo recuerda al natal Port Lligat del autor mientras sus míticos relojes fundidos reflejan la pérdida del tiempo durante el sueño y la exclusiva continuidad de los recuerdos. La obra se expone actualmente en el MoMa de New York, si bien el principal museo podemos encontrarlo en el Teatro-Museo Dalí en Figueres, Cataluña.

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La Creación de Adán, de Miguel Ángel

Si bien sus dimensiones se escapan a las medidas de un cuadro convencional, el fresco más famoso del mundo se extiende en el techo de la Capilla Sixtina del Vaticano. Tras una exhaustiva contemplación del entorno para concebir su obra, Miguel Ángel tomó los cuarenta metros de la cúpula para plasmar su visión de la creación del primer hombre, Adán, por un Dios anciano y barbudo, según los cánones católicos. El resultado quita el aliento.

Las principales pinturas del mundo, tras un largo recorrido por numerosas galerías y mecenas, suelen residir en sus países de origen. Un modo de rendir tributo a artistas de todos los estilos y épocas, cuyo trasfondo aún es analizado por expertos del arte. Verdaderos cebos para los turistas de todo el mundo, esperamos contar con la presencia de futuras obras y la inmortalidad de las aquí expuestas.

¿Cuál es tu pintura favorita? ¿Y cuál de todos los museos del mundo fue el que más disfrutaste?

EL PREMIO TURNER DE ARTE CONTEMPORANEO

¿Quién entiende el arte contemporáneo?

El premio Turner viene, una vez más, cargado de polémica. En esta ocasión, la nota más llamativa la ha puesto el propio ministro inglés de Cultura, Kim Howells, al calificar de “mierda conceptual” la obra de los cuatro seleccionados. El domingo conoceremos el nombre del ganador. EL CULTURAL toma este acontecimiento como punto de partida para abrir una reflexión sobre el arte de hoy. Los directores de museo Kosme de Barañano y Juan Manuel Bonet y los catedráticos Juan Antonio Ramírez y Valeriano Bozal centran el debate que inicia José Jiménez.

 | 05/12/2002 |  Edición impresa

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Catherine Yass: Descent: HQ5:1/4, 4.7°, omm 40mph, 2002

*Una idea añeja de arte
Desde su primera convocatoria en 1984, el premio Turner, que se concede cada año en la Tate Gallery de Londres a artistas ingleses vivos, tras una exposición en la que se muestran obras de los cuatro artistas preseleccionados, se ha convertido en uno de los acontecimientos más importantes del arte actual en Inglaterra. Más aún: su relevancia y proyección internacional es creciente, y no cabe duda que algunos artistas británicos deben su notoriedad al impulso del premio.

Es curioso, sin embargo, que el interés de los medios de comunicación se centre sobre todo en la controversia, e incluso el escándalo público, originándose así una especie de círculo vicioso: la presentación del arte en términos de escándalo hace que la información que el público recibe del arte lo sitúe, de entrada, como algo escandaloso, equívoco, o discutible.

En la convocatoria de este año, una vez más, las cosas han ido por el mismo camino. Y las declaraciones del ministro Howell, que ha calificado de “mierda conceptual” las obras de los cuatro artistas seleccionados, han venido a atizar todavía más el fuego, a la vez que han dejado hecho trizas el tópico de la flema británica.

Pero, ¿qué tiene el arte de nuestro tiempo, se preguntarán ustedes con toda la razón del mundo, para que sea capaz de desatar esa agresividad...?Porque una cosa es que no guste, o que no se entienda, y otra la reacción violenta y agresiva que, desafortunadamente, provoca en tantas ocasiones, incluso en personas, como el ministro inglés, que por el puesto público que ocupan deberían ser modelo de equilibrio.

Los insultos de Howell, aparte de lo que desvelan de resentimiento personal (él es un pintor aficionado), son dañinos por lo que tienen de halago del sentido común, de alabanza del gusto conservador. Menos mal que, a diferencia de lo que sucede en España, las instituciones artísticas de carácter público están, en el Reino Unido, gestionadas de forma independiente por especialistas, a salvo de las intervenciones de los políticos.

Les puedo asegurar que las obras de los cuatro artistas seleccionados este año: Fiona Banner, Liam Gillick, Keith Tyson y Catherine Yass, no sólo no suponen ningún motivo de escándalo o de provocación, sino que son en su conjunto de una gran calidad. De todas ellas, las fotografías, cajas de luz y vídeos de Catherine Yass, me han parecido particularmente excelentes.

¿Qué pasa, entonces, con el arte de nuestro tiempo? ¿Por qué despierta tanta controversia? El motivo central reside en la persistencia de una idea añeja de arte, una concepción decimonónica, anacrónica, que en su carácter conservador se revela incapaz de asumir que el arte cambia continuamente, como cambian todos los otros factores y aspectos de la vida humana.

Y que ese cambio del arte se ha convertido en algo particularmente intensoy acelerado no ahora, no en los últimos tiempos, sino ya desde el momento en que, en el último tercio del siglo diecinueve, se produce la imparable expansión de la tecnología, que determina todos los aspectos de nuestra vida, y desde luego el universo de producción de imágenes, el universo de la representación sensible, la esfera ya no exclusiva donde se sitúa el arte.

Ni las instituciones artísticas, ni las educativas, ni los medios de comunicación han asumido en toda su profundidad ese cambio, y mucho menos en España, donde el arte de hoy sigue provocando miedo y recelo. Pero, fíjense, para mí el rechazo del público no es algo meramente negativo.

Sino al contrario, un síntoma de su deseo de juzgar por sí mismo, de no aceptar la delimitación autoritaria de lo que es o no arte según lo dictan los expertos, y por ello también una censura de la ausencia de argumentos con que las instituciones artísticas, las educativas, y los medios de comunicación, tratan el arte y lo presentan al público. José JIMéNEZ

*“Esto lo hace mi niño”
El debate sobre la comprensibilidad o no del arte contemporáneo, es un debate viejo, recurrente, y que personalmente me aburre. No hay obligación de que todo le guste a todos, pero la acusación contra el arte moderno de una época, bajo el pretexto de que no se entiende, es tan vieja como el mismo arte moderno. 

Un ensayista de la época simbolista, Camille Mauclair, se hizo célebre, décadas después, con La farsa del arte moderno, un burdo panfleto contra las vanguardias. Tras él, han sido legión los que han intentado descalificar el arte moderno, con frases del tipo “esto lo hace mi niño”. Encuentro tan absurdo ese tipo de discursos, como en el extremo opuesto aquellos otros según los cuales “todo vale”. 

El arte moderno es un idioma y, como todos los idiomas, exige un aprendizaje, pero no existe obligación de encontrar válida cualquier propuesta. El reciente comentario despectivo del ministro británico, lo interpreto en plan “tirar piedras contra su propio tejado”. Estos últimos años, el arte del Reino Unido se ha caracterizado por su radicalismo. 






Esa línea se ha afianzado, colocando de nuevo a Londres en el mapa. A un ministro esto debería parecerle bien, al menos políticamente. Ya he dicho que en arte no existe obligación. ¿Dificultad de acceso al arte contemporáneo? Las cifras de visitantes en los museos dedicados a esta materia, indican que esa dificultad, en cualquier caso, es percibida como un reto por sectores cada vez más amplios del público. Juan Manuel BONET


*Aprender a dejarse llevar
El arte contemporáneo está dirigido a todos. Si su destino se cumple es por la confluencia de un conjunto de factores. Algunos afectan a las obras: las obras gustan de las ocurrencias, por ejemplo, y la ocurrencia es un chisporroteo que suele interesar a su autor y a su círculo, pero a pocos más. Otros factores dependen del mercado: el mercado “copa” la institución y se funda sobre exigencias de competitividad y originalidad renovada. 

No es menos importante el lugar que el arte contemporáneo ocupa: entre la industria del ocio y el pensamiento. Pero quizá el factor más importante es el que hace referencia a los modos de mirar: el desarrollo de la industria de la imagen ha difundido, hasta extremos difíciles de sospechar, una visión acomodaticia, en la que el esfuerzo se limita al reconocimiento más o menos emocionante de lo ya existente. El arte va a contracorriente, exige atención y esfuerzo, y lo que a cambio se obtiene no es el reconocimiento de lo existente, sino la radical novedad de lo entrevisto. Entre aquella mirada gratificante y ésta lúcida, el dominio social suele corresponder a la primera.






Cambiar el modo de mirar corresponde a diferentes instancias, en primer lugar a la educación: y no porque haya de enseñarse a mirar sino porque hay que enseñar a estar despiertos y tener sentido crítico, excitar la atención, la pregunta, la duda... Parece improbable que tal cambio se produzca en una sociedad tan conservadora y pusilánime como la nuestra: nunca la caja tonta fue tan estúpida, la ocurrencia tan celebrada y el sistema educativo tan empeñado en el terruño.

Cuando me preguntan qué deben hacer para comprender el arte contemporáneo, contesto: sólo hay que “dejarse llevar”. Omito que dejarse llevar implica esfuerzo, liberarse del conservadurismo mental, de tanto sentimentalismo huero. Valeriano BOZAL


*Museo, escuela y medios
Sabemos que la función no crea el órgano, pero está claro que el ejercicio sí puede modificarlo sustancialmente (y en eso se basa la idea deportiva del entrenamiento). Si aceptamos este símil, puede que los nuevos museos y centros de arte contemporáneo que están proliferando en España no produzcan por sí solos una comprensión correcta y masiva de lo que exponen, pero no cabe duda de que su existencia está cambiando la percepción popular de las artes visuales.

No debemos minimizar el papel que juegan ya en la vida cultural de nuestras ciudades, aunque convendría que tomasen más en serio a sus propios gabinetes didácticos. Pero la labor de estas instituciones debe complementarse con la de otras dos instancias fundamentales: la escuela y los medios de comunicación de masas. Respecto a lo primero, pienso en el trabajo en el aula, y no sólo en las visitas guiadas, que sirven de poco cuando los alumnos no han recibido información previa. La historia del arte debería ser una asignatura obligatoria en el bachillerato.

Los medios de comunicación, por su parte, tienen que acentuar su misión educativa. ¿Dónde están, por ejemplo, esos programas televisivos de arte equivalentes, por su interés y calidad, a las series dedicadas a la naturaleza? Creo que si estas tres instancias (museo, escuela y medios) trabajaran al unísono para dar a conocer y explicar adecuadamente lo más interesante del arte contemporáneo, desaparecerían muchas reticencias. 

Pero tampoco debemos traumatizarnos por el supuesto alejamiento de las masas de la creación contemporánea, pues algunos aspectos del arte se parecen a la ciencia: no tienen “público” en sentido estricto, lo cual no quiere decir que no debamos estimular o financiar su desarrollo. Evitaríamos malentendidos si habláramos del arte en plural y reconociéramos que sus destinatarios pueden estratificarse en sectores sociales y culturales variados.

No todas las manifestaciones de todas las artes son para todos los públicos, lo cual no quiere decir que no debamos esforzarnos por ampliar el sector de quienes disfrutan con la mayoría de las creaciones, incluidas las más minoritarias y arriesgadas. Juan Antonio RAMíREZ 


*Nadar... y bucear
Acercarse al arte, sentir, apreciar o “entender” las obras de arte, es una experiencia (y placer) similar en su forma de conocimiento a sentir y disfrutar del mar. El mundo del arte es una gran cala de la cultura humana. Hay a quien el mar le atemoriza a distancia; hay a quien le atrae. Unos lo disfrutan desde la playa, otros desde las rocas.

Unos se mojan y otros nadan; y hay quien bucea y se sumerge hasta contemplar en profundidad su vida abismal, peces y corales de colores, en esta cala de Portichol o en aquella del Caribe. Albert Camus escribía que en las playas de Argel no se dice “tomar un baño” sino que se emplea la expresión “pegarse un baño”.

El mundo del mar depende de cómo se aproxima uno a él y de que le dedique su tiempo, aprendizaje y energía. Lo mismo pasa con el mundo del arte contemporáneo. Tiene sus niveles de conocimiento, es decir, de profundidad.Depende de lo que queramos bucear en él y de lo preparados que estemos para ello, de las herramientas o del equipo que llevemos encima.

Es lo que los griegos llamaron Paideia, los alemanes llaman Bildung, y que nosotros podemos llamar “equipaje cultural”. En las aguas de un museo podemos chapotear, disfrutar nadando...y llegar a bucear en la Historia del Arte.

En los últimos veinte años en España se han dado pasos de gigante en la socialización -en las posibilidades de acercamiento- al arte contemporáneo, desde la creación del IVAM hasta el Guggenheim Bilbao. En los museos presentamos hoy las exposiciones con un discurso (esto es, un camino arreglado), ya sea cronológico o formal, que ayuda a los espectadores a comprender la obra de un artista o de un momento.

Las exposiciones suelen tener sus desplegables informativos, sus guías especializados (en el IVAM, los días de labor son estudiantes y los fines de semana, dos profesores de la Universidad) y sus talleres didácticos (con pedagogos para los escolares y sus profesores). Nunca ha estado el complejo mundo del arte tan a mano del gran público, como lo están las playas de tantas geografías.

Pero, como en el mar, o en la práctica de todo deporte, el participante también ha de dedicar horas, ejercitarse. El método es sencillo: ir a los museos, revisitarlos con mirada crítica, hacer gimnasia visual, contemplar sin prejuicios y preguntarse por qué el hombre es el único animal que deja huellas visuales tras de sí, huellas o imágenes que tienen la virtud, como la cabeza de Nefertiti, de traspasar el tiempo y de ser contemporáneas.

Pero, sobre todo, el visitante -el que además de nadar quiere bucear- debe estar abierto a disfrutar, con los ojos y con el corazón. Retomado de nuevos las palabras de Camus: naveguemos “con todas las velas abiertas a un brisa definida, sobre un mar claro y musculoso”. Kosme DE BARAñANO 

NOTA IMPORTANTE:

El Premio Turner es un evento anual donde se concede un galardón a un artista británicomenor de 50 años.

El premio fue llamado así en honor del pintor J.M.W. Turner. Lo organiza la Galería Tate de Londres, y desde sus principios en 1984 se ha convertido en el premio artístico más promocionado del Reino Unido,

ETAPAS DEL ARTE CONTEMPORANEO

El arte contemporáneo del Siglo XX

En el Siglo XX el arte rompe con todos los conceptos tradicionales y crea unas características nuevas y en definitiva esenciales. En cualquier obra contemporánea podremos observar que la personalidad del hombre es un objeto de disputa ya que el artista puede disfrutar de una libertad completa, en la libertad completa también tenemos que meter a los poetas y pensadores que tendrán que interpretar la realidad y enseñar el camino al futuro. Las técnicas usadas en el arte contemporáneo pone al artista en una postura de ser capaz de interpretar todo, pero el arte se expresará mediante la irracionalidad producida por la insatisfacción y la intranquilidad.

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Es evidente que la libertad de crear e proyectar cualquier posibilita al artista cualquier tipo de exceso. Estos excesos van desde los creativos, dentro de este grupo podemos encontrar a las vanguardias denominadas como arte degenerado, hasta los productos artísticos del consumo colectivo que por otro lado varios expertos del arte lo califican como de “muy mal gusto”

Vanguardias históricas del arte contemporaneo

El fauvismo: se identifica por la  sustitución de la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas por un fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un mayor énfasis expresivo.

El impresionismo: se valora los contenidos y las actitudes emocionales, es una expresión del propio yo, con una composición desgarrada y un color más violento y contenidos simbólicos. 

El cubismo:  se destaca por la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone una forma de perspectiva que se basa en la multiplicidad de los puntos de vista. Tiene una primera etapa llamada cubismo analítico, donde los artistas buscaban la descomposición de las formas tridimensionales en elementos geométricos y una segunda etapa llamada cubismo sintético que se desarrollan experiencias con el collage.

El futurismo: es un estilo llamado cubismo dinámico porque los artistas se interesaban por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e imágenes.

El neoplasticismo: tiene un método que parte de la utilización de líneas rectas que delimitan rectángulos de colores primarios, los artistas quieren destacar la bidimensionalidad de la superficie para expresar su ideal basado en la pureza del arte.

El dadaismo: representa la antítesis del racionalismo y de la abstracción, que surgió durante la Primera Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos dominantes, querían representar la libertad absoluta, lo inmediato, la contradicción y la espontaneidad de dadaísmo buscaban derrocar las leyes de la lógica un pensamiento inmóvil, los conceptos abstractos, lo universal y la eternidad de los principios, el caos sobre el orden y  romper las fronteras entre el arte y la vida.

El surrealismo: se trataba de ir más allá de la realidad visibleasegurando la superioridad del subconsciente y daban importancia a los sueños en la creación artística.

El constructivismo: se origina en Rusia, desde donde empieza a involucrarse a otros lugares de Europa, hasta llegar algunos años después a Latinoamérica, de donde nos vemos muy influenciados. Este movimiento se caracteriza por ser muy abstracto, por lo que se recurre generalmente a figuras geométricas y muy bien definidas.
Etapas del arte contemporáneo en el S.XX

Etapas del arte contemporáneo

Podemos observar estas etapas a través de los años entre las que están:

• El informalismo: en paralelo eón el expresionismo abstracto de Estados Unidos y  abarca todas las tendencias abstractas y gestuales desarrolladas en francia y en el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Se distinguen varias corrientes diferentes como la abstracción lírica, la pintura matérica , la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut.
• El Pop: fue un movimiento  artístico del S.XX su característica más importante  es el empleo de imágenes de la cultura popular, como los anuncios publicitarios, cómic books, el mundo del cine, entre otros. El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura de bellas artes, resaltando lo banal a través del uso de la ironía.
• Desconstrucción y Postmodernidad:  se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera rechazando  el principio programático del arte de vanguardia, asumiendo  el fracaso de los movimientos de vanguardia, siendo un arte  autorreferencial, el arte habla del arte, sin pretender hacer una labor social

Aquí podemos ver un breve vídeo explicativo sobre el arte contemporáneo o su definición

¿QUE ES EL ARTE CONTEMPORANEO?

¿Qué es el arte contemporáneo?

Publicado el 18 Noviembre, 2014 por tiposdearte en Contemporáneo // 2 comentarios

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¿Qué es el arte contemporáneo? 

El arte contemporáneo, explicado técnicamente, es un  concepto que se utiliza para denominar de manera general a las expresiones artísticas originadas durante el siglo XX, es decir, de una manera más coloquial podríamos decir que el arte contemporáneo es el que está realizado en nuestra época, pero esto es dependiendo de la persona que hable de él ya que hay varias formas de entender este concepto. Para algunas personas este concepto surgió en las última década, para otros este concepto se creó en la Segunda Guerra Mundial (1945), también hay personas que creen que este concepto se desarrolló en la Edad Contemporánea (finales del siglo XVIII). Por lo tanto, todo depende de quién utilice este concepto ya que mucha diversidad de opiniones en el origen de este concepto. Aunque definición más general de este concepto es que nació en el último siglo.

Criterios para determinar cuando es arte contemporáneo

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Uno de los criterios juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de la eclosión vanguardista de los inicios del siglo XX. Estas propuestas artísticas, se distinguieron por presentar una serie de ideas que revolucionaron la institución del arte, como la ruptura con los modelos tradicionales o su carácter crítico y experimental, tenemos de ejemplo los  movimientos artísticos contemporáneos como el fovismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo.

Otro criterio utilizado para las  manifestaciones contemporáneas es aquel que toma como punto de partida el inicio de la Postmodernidad, que va de finales de la década del 60 e inicios de los años 70, o el fin de la segunda guerra mundial, en 1945. Este arte contemporáneo está formado por movimientos como el arte pop, el nuevo realismo francés, el arte povera, el arte conceptual, el minimalismo y el expresionismo abstracto, así como con el hiperrealismo, la neofiguración, las instalaciones o la deconstrucción.

Y por último criterio tenemos el que vincula el inicio del arte contemporáneo con el principio de la Edad Contemporánea, a finales del siglo XVIII con la revolución francesa.

El Arte Contemporáneo: Un antes y un después

El arte contemporáneo viene de finales del S. XIX,  este concepto creado en el siglo XX fue el resultado de arrastrar varias técnicas del siglo XIX, es más se considera que el principal punto de partida de este nuevo concepto fue del Impresionismo y el Postimpresionismo. Se dice esto porque de esos movimientos artísticos se desarrolló las vanguardias más famosa y conocida del Siglo XX. Entre esas vanguardias podemos encontrar: el fauvismo, el constructivismo,  el neoplasticismo, el cubismo, el expresionismo, el surrealismo, el futurismo y  el dadaísmo. Todas estas corrientes  tienen una serie de elementos comunes en su ideología, pero no en lo estilístico, tienen un punto en común y es la pasión de innovar y conceder al arte un espacio muy distinto al que poseía antes.

Por ello podemos decir que, el arte contemporáneo se caracteriza por tener una conciencia de grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan reflejado en sus respectivos manifiestos. Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El deseo de novedad los lleva a experimentar con el color, las formas y la composición, es querer encontrar una nueva manera de expresión que no encaje con todo lo que se había hecho hasta ese momento. Así pues comenzó a desarrollar un sinfín de formas nuevas y a comenzar desde un espacio nuevo donde la forma y el color adquirieron propiedades fuertes.

El arte contemporáneo del Siglo XX

En el Siglo XX el arte rompe con todos los conceptos tradicionales y crea unas características nuevas y en definitiva esenciales. En cualquier obra contemporánea podremos observar que la personalidad del hombre es un objeto de disputa ya que el artista puede disfrutar de una libertad completa, en la libertad completa también tenemos que meter a los poetas y pensadores que tendrán que interpretar la realidad y enseñar el camino al futuro. Las técnicas usadas en el arte contemporáneo pone al artista en una postura de ser capaz de interpretar todo, pero el arte se expresará mediante la irracionalidad producida por la insatisfacción y la intranquilidad.